104 años del nacimiento de Atahualpa Yupanki

Atahualpa Yupanqui en quechua significa el que viene de lejanas tierras para decir algo, y es seudónimo de Héctor Roberto Chavero Haram, considerado el más importante músico del folclore argentino. Nació en el Campo de la Cruz, en Juan A. de la Peña, partido de Pergamino (al norte de la provincia de Buenos Aires) el 31 de enero de 1908. Realizó sus primeros estudios musicales con el Padre Rosáenz. Más tarde, a partir de los 6 años aprendió guitarra con Bautista Almirón.
En 1917 su familia se trasladó a Tucumán. La temprana muerte de su padre lo hizo prematuramente jefe de familia. Jugó tenis, boxeó y se hizo periodista. Fue improvisado maestro de escuela, luego tipógrafo, cronista, músico y fundamentalmente, agudo observador del paisaje y del ser humano. A los 19 años de edad, compuso su canción "Camino del Indio". Emprendió un viaje a Jujuy, Bolivia y los Valles Calchaquíes. En 1931 recorrió Entre Ríos, afincándose un tiempo en Tala. Participó en la fracasada sublevación de los hermanos Kennedy, en la cual estuvieron envueltos también el coronel Gregorio Pomar y Arturo Jauretche, que inmortalizó la patriada en su poema gauchesco El Paso de los Libres. Después de esta derrota debió exiliarse en Uruguay. Pasó por Montevideo, para luego dirigirse al interior oriental y el sur del Brasil.
En 1934 reingresó a la Argentina por Entre Ríos y se radicó en Rosario (Santa Fe). En 1935 se estableció en Raco, provincia de Tucumán. Pasó brevemente por la ciudad de Buenos Aires —donde diversos intérpretes comenzaban a popularizar sus canciones— para actuar en radio. Recorrió después Santiago del Estero, para retornar por unos meses a Raco en 1936. Realizó una incursión por Catamarca, Salta y Jujuy. Más tarde visitó nuevamente el Altiplano en busca de testimonios de las viejas culturas aborígenes. Retornó a los Valles Calchaquíes, recorrió a lomo de mula los senderos jujeños y residió por un tiempo en Cochangasta, provincia de La Rioja.
A causa de su afiliación al Partido Comunista su obra sufrió la censura durante la presidencia de Juan Perón, fue detenido y encarcelado varias veces. Al respecto ha dicho:

«En tiempos de Perón estuve varios años sin poder trabajar en la Argentina... Me acusaban de todo, hasta del crimen de la semana que viene. Desde esa olvidable época tengo el índice de la mano derecha quebrado. Una vez más pusieron sobre mi mano una máquina de escribir y luego se sentaban arriba, otros saltaban. Buscaban deshacerme la mano pero no se percataron de un detalle: me dañaron la mano derecha y yo, para tocar la guitarra, soy zurdo. Todavía hoy, a varios años de ese hecho, hay tonos como el Si menor que me cuesta hacerlos. Los puedo ejecutar porque uso el oficio, la maña; pero realmente me cuestan.»

Se fue a Europa en 1949. Édith Piaf lo invitó a actuar en París el 7 de julio de 1950. Inmediatamente firmó contrato con "Chant du Monde", la compañía de grabación que publicó su primer LP en Europa, "Minero soy", que obtuvo el primer premio de Mejor Disco de la Academia Charles Cros, que incluía trescientos cincuenta participantes de todos los continentes en el Concurso Internacional de Folclore. Posteriormente, viajó extensamente por Europa.
En 1952, Yupanqui regresó a Buenos Aires, donde rompió su relación con el Partido Comunista, lo que hizo más fácil para él concertar actuaciones en radio. Mientras que con su esposa Nenette construía su casa de Cerro Colorado (Córdoba), Yupanqui recorría el país.
El reconocimiento del trabajo etnográfico de Yupanqui se generalizó durante la década de 1960, y con artistas como Mercedes Sosa y Jorge Cafrune grabaron sus composiciones y lo hicieron popular entre los músicos más jóvenes, que se refieren a él como Don Ata.
Yupanqui alternaba entre sus casas en Buenos Aires y Cerro Colorado, provincia de Córdoba. Durante 1963 y 1964, realizó una gira por Colombia, Japón, Marruecos, Egipto, Israel e Italia. En 1967 realizó una gira por España estableciéndose finalmente en París. Volvió periódicamente a la Argentina y apareció en Argentinísima II en 1973, pero estas visitas se hicieron menos frecuentes cuando la dictadura militar de Jorge Videla llegó al poder en 1976.
En 1986 Francia lo condecoró como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras. En 1987 volvió al país para recibir el homenaje de la Universidad Nacional de Tucumán. Debió internarse en Buenos Aires en 1989 para superar una dolencia cardíaca, pese a lo cual en enero de 1990 participó en el Festival de Cosquín.
Sin embargo, a los pocos días Yupanqui cumplió un compromiso artístico en París. Volvió a Francia en 1992 para actuar en Nîmes, donde se descompuso y falleció el 23 de mayo. Por su expreso deseo, sus restos fueron repatriados y descansan en Cerro Colorado.
De las 325 canciones de su autoría registradas oficialmente,4 pueden citarse La alabanza, La añera, El arriero, Basta ya, Cachilo dormido, Camino del indio, Coplas del payador perseguido, Los ejes de mi carreta, Los hermanos, Indiecito dormido, Le tengo rabia al silencio, Luna tucumana, Milonga del solitario, Piedra y camino, El poeta, Las preguntitas, Sin caballo y en Montiel, Tú que puedes, vuélvete, Nada más, Viene clareando y Zamba del grillo, entre muchas otras. Han sido cantadas por reconocidos intérpretes, como Mercedes Sosa, Pedro Aznar, Los Chalchaleros, Horacio Guarany, Jorge Cafrune, Alfredo Zitarrosa, José Larralde, Víctor Jara, Ángel Parra,Jairo, Andrés Calamaro, Divididos, Marie Laforêt, Mikel Laboa y Enrique Bunbury entre muchos otros, y siguen formando parte del repertorio de innumerables artistas, en Argentina y en distintas partes del mundo.

UN DIA COMO HOY...

En 1756 nacía Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, mas conocido como Wolfgang Amadeus Mozart, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia y el principal Maestro del Clasicismo (período musical que comienza aproximadamente en 1750 y termina alrededor de 1820)
Sus prodigiosas dotes musicales fueron pronto observadas por su padre, Leopold, que decidió educarlo y simultáneamente exhibirlo (conjuntamente con la hermana mayor Nannerl (Maria Anna) como fuente de ingresos. A la edad de seis años, Mozart ya era un interprete avanzado de instrumentos de teclado y un eficaz violinista, al mismo tiempo que demostraba una extraordinaria capacidad para la improvisación, la lectura de partituras y la composición; aún hoy se interpretan sus cinco pequeñas piezas para piano que compuso a aquella edad.
Mozart se ha considerado el compositor más destacado de la historia de la música occidental y su influencia fue profundísima, tanto en el mundo germánico como en el latino; su extensa producción alcanza más de 600 creaciones e incluye casi todos los géneros musicales desde el lied, las danzas alemanas, los conciertos para diversos instrumentos, cuartetos, sinfonías, óperas, obras sinfónico corales, etc, y en cualquiera de ellas podemos encontrar obras maestras que nos hacen recordar la apasionada opinión de Goethe: "¿Cómo, si no, podría manifestarse la Divinidad, a no ser por la evidencia de los milagros que se producen en algunos hombres, que no hacen sino asombrarnos y desconcertarnos?".
George Bernard Shaw, que no se caracterizaba por su piedad, llamó una vez a la música de Mozart como "La única música escrita hasta ahora que no sonaría fuera de lugar en boca de Dios." El teólogo protestante Karl Barth escribió su certeza de que "cuando los ángeles llevan a cabo su tarea de loar a Dios, tocan sólo Bach pero cuando están juntos (en familia) tocan Mozart y entonces también el buen Dios escucha con especial placer".

Mozart tenía una gran capacidad para gozar de los placeres de la vida. Pero resulta notable, a la luz de las cualidades de "afirmación de la vida" de su música, considerar hasta qué punto se preocupaba, en profundidad, por el tema de la muerte. A través de la constante meditación sobre esto, "el verdadero objetivo de nuestra existencia", había llegado a la conclusión de que la muerte es la "mejor y más verdadera amiga de la humanidad, de que su imagen ya no es no sólo aterradora para mí, sino que es, en verdad, muy tranquilizadora y consoladora. Y doy gracias a mi Dios por haberme otorgado graciosamente la oportunidad... de aprender que la muerte es la llave que abre la puerta de nuestra verdadera felicidad...”
De manera que Mozart, luego de una vida fenomenal mente industriosa, logró su verdadera felicidad a los 35 años.
Fue enterrado en una fosa común de Viena. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevada a la categoría de mito.
"Jamás me acuesto a la noche sin reflexionar en que, aun siendo joven como soy, puedo no vivir para ver otro día. Sin embargo, ninguno de mis conocidos podría decir que, en compañía, estoy malhumorado o descontento. Por esta bendición doy gracias a diario a mi Creador y deseo con todo mi corazón que todos mis prójimos puedan gozar de ella."

También un 27 de enero pero de 1901, moría el más notable compositor de ópera del romanticismo italiano: Giuseppe Fortunino Francesco Verdi.
Verdi es el nexo entre el belcanto de Rossini, Donizetti y Bellini y la corriente del verismo y Puccini.
Nació en Le Roncole el 10 de octubre de 1813; la localidad era entonces parte del ducado de Parma (que a su vez formaba parte de Francia). Allí recibió sus primeras lecciones de música, lego ontinúa sus estudios en Busseto, bajo la tutela de Ferdinando Provesi.
Se puede decir que sus primeros éxitos están relacionados con la situación política que se vivía en Italia. Aparte de su calidad artística, sus óperas servían además para exaltar el carácter nacionalista del pueblo italiano. Quizás el “Va pensiero” (coro de los esclavos de la ópera Nabucco) es uno de los coros más conocidos de Italia por esta razón. De esta forma, Verdi triunfa en Milán.
Compuso 28 operas, 3 de ellas están basadas en obras de Shakespeare: Macbeth, Otello y Falstaff; una misa de réquiem (1874) para coro, voces solistas y orquesta, canciones de cámara y gran cantidad de obras para la orquesta aficionada de Busseto pero ninguna de ellas se conserva, ya que él mismo las destruyó.

Algunas curosidades: En el siglo XIX, en la época de la unificación italiana, liderada por el rey Víctor Manuel II dePiamonte-Cerdeña, el entusiasmo unificador se expresaba con el grito de «¡Viva VERDI!», significando VERDI acrónimo de «Vittorio Emmanuele Re D'Italia…
El conservatorio de Milán, que le había denegado su entrada de joven, quiso renombrarse con el nombre del propio compositor, gracias a su popularidad y éxito en su madurez, a lo que él contestó: «No me quisieron de joven, no sé por qué me quieren de viejo». Actualmente el conservatorio lleva su nombre.

Un gran músico con alma de niño: Sebatian Monk

Hay personas que se hacen famosas cuando no están. Quizás eso sea lo que pase con Sebastián Monk, que peleó durante más de un año contra una enfermedad que todavía no tiene cura y el pasado lunes 12, a los 43 años, dijo adiós.

Sebastián era pianista, compositor y autor de canciones. Compuso para chicos y para grandes, la mayoría de las veces de manera lúdica. Ese era uno de sus sellos creativos que fue acompañado por mucha imaginación y gran talento.
Era bien conocida su labor dentro de la producción de música para chicos hasta que un día comenzó a publicar discos para grandes. Fue entonces que desplegó su histrionismo en escenarios porteños en horarios en los que los nenes ya tienen que ir a dormir y los grandes pueden sentarse a una mesa a disfrutar de buena música. Y eso pasaba con este Monk que poco tiene tuvo que ver con el Monk más famoso, Thelonious; aunque es justo decirlo: Sebastián tocaba muy bien el piano y era muy creativo al momento de abordar la música popular. Por haber hecho camino dentro del repertorio infantil tuvo la curiosidad de transitar por varios géneros, imprimiendo en cada música su sello. Una música de raíz folklórica o una de color rioplatense generada en su propia usina llevaba su marca de fábrica. Las escalas vertiginosas, las narraciones extensas y desarrolladas con la misma intrepidez con que se movían sus melodías, el ingenio para la construcción armónica y para las historias desopilantes - "Cumbre de bobes" y "Ese" son algunas de las más destacadas- fueron algunas de las características de su trabajo.
De sólida formación musical, publicó casi una docena de discos en los que los que el humor ya podía estar insinuado algunos títulos, como Lo menos y Prueba y error . Siempre se rodeó de buenos músicos, desde sus hermanos hasta artistas de primera línea que participaron en sus proyectos. También armó duplas interpretativas muy logradas como la que proyectó con Guadalupe González Táboas para presentar uno de sus espectáculos.
Cualquier persona de su entorno puede dar fe de que de este último año Sebastián tuvo que pelear fuerte contra su enfermedad y que lo hizo con música.
Su último disco, que se dio a conocer hace apenas una semana, puede ser un gran resumen de su carrera. Porque es un disco de chicos para que escuchen los grandes. Porque está interpretado por una cantidad enorme de artistas amigos de Sebastián (todos talentosos: Alejandro Balbis, Teresa Parodi, Topo Encinar, Luis Pescetti, Pablo Tozzi, Mariana Cincunegui y Franco Luciani, entre una larga lista). Y porque este nuevo álbum que llamó Canciones con nombre de niño fue de enfermedad y dicha. De enfermedad porque, como el mismo escribió en el arte de tapa del CD, para hacerlo tuvo que atravesar "una tempestad". De dicha porque ahora que Sebatián no está, además de un disco "de infancia" es un disco de vida...

♪♫♪♫ ♪ FELIZ DÍA DE LA MÚSICA ♫♪♫ ♪

Felicidades y saludos para todos nuestros colegas, para los ex integrantes, para los actuales y para los futuros...
Para sigamos haciendo y disfrutando de lo que mas nos gusta y nos apasiona: LA MÚSICA

FALLECIÓ VILMA GORINI DE TESEO...

En el día de hoy falleció la Mtra. Vilma Gorini de Teseo. Ella, fue el pilar sobre el cual creció el Coro Nacional de Niños durante más de 40 años, su alma mater, su gran escultora. Su entrega para con la música coral infantil fue inmensa, generaciones de niños siguieron en el camino de la música de su mano, continuando luego de adultos.

Todo empezó en diciembre del año 1966, cuando el funcionario de Cultura de la Nación, Néstor Suárez Aboy, quien amaba de verdad la música y las artes, designó a Vilma Gorini de Teseo como directora del Coro Nacional de Niños, y a Roberto Saccente director del coro de adultos.
Tras la convocatoria por diarios, radios y televisión hubo cientos de inscriptos para integrar el flamante coro. Los ensayos, más el trabajo de técnica vocal, comenzaron en febrero de 1967. Y como corresponde a un inicio coral con niños, máxime en épocas en que el canto supo reducirse a las celebraciones escolares, el repertorio incluyó obras sencillas.
"Hicimos un trabajo minucioso, ya que en las escuelas se insistía en las cuerdas graves [en las notas bajas] de los chicos. Tampoco estaban ellos habituados a tomar la nota desde el piano, sino cuando uno se las cantaba. Además de los ejercicios de respiración, las niñas y niños -llegados de todos los ámbitos socioculturales- fueron asimilando el aspecto fisiológico del canto, incluso con ayuda del espejo, para comprobar cómo funciona y así emitir correctamente la voz, y los contenidos y significados de cada obra." Es que un coro de niños es naturalmente un grupo en constante mutación por el cambio de voz de los varoncitos en la adolescencia".
El repertorio del Coro Nacional de Niños abarca lo popular argentino, los anónimos nacionales y universales, y la música europea. Ademas Vilma siempre se vinculó con la Asociación Argentina de Compositores, a quienes le solicitaba, o ellos le entregan, su música. Ademas de cantar obras de Monteverdi, Palestrina, Lassus, Victoria, Guerrero, Jannequin, Josquin des Prés; románticos como Schubert, y participaron siempre en conciertos sinfónico corales como, por ejemplo, fue la Pasión según San Mateo, de Bach, con Michel Corboz, y obras de Buxtehude, de Haendel con la Asociación homónima, y el oratorio La infancia de Cristo, de Berlioz. Han viajado por, prácticamente, todo el país, salvo Tierra del Fuego y realizó giras por Europa, México y varias veces en Brasil.

Incorporamos 1 tenor, 1 baritono y 1 bajo...

♪ Repertorio 2011: Medieval y Renacentista

♪ Requisitos:

Tener entre 21 y 55 años

Poseer conocimientos musicales (no excluyente)

Afinación (excluyente)

Puntualidad y asistencia a ensayos y conciertos (excluyente)

♪ Ensayos: Solo los sábados de 14hs a 17hs

♪ Zona: CABA (Liniers)



Para más información o envío de datos escribir a:

ensambleresonarefibris@gmail.com

O llamar al 15-5837-4904 (Se puede dejar mensaje de voz o texto con un número para contactar)

8 de Marzo “Día Internacional de la Mujer”

Originalmente llamado Día Internacional de la Mujer Trabajadora, se celebra desde 1911 y está reconocido por la Organización de las Naciones Unidas, ONU. En este día se conmemora la lucha de la mujer por su participación, en pie de igualdad con el hombre, en la sociedad y en su desarrollo integro como persona. Es fiesta nacional en algunos países.
La idea de un día internacional de la mujer surgió al final del siglo XIX, en plena revolución industrial y durante el auge del movimiento obrero. La celebración recoge una lucha ya emprendida en la antigua Grecia y reflejada por Aristófanes en su obra Lisístrata, que cuenta como Lisístrata empezó una huelga sexual contra los hombres para poner fin a la guerra, y que se vio reflejada en la Revolución francesa: las mujeres parisinas, que pedían libertad, igualdad y fraternidad, marcharon hacia Versalles para exigir el sufragio femenino, pero no fue sino hasta los primeros años del siglo XX cuando se comenzó a proclamar, desde diferentes organizaciones internacionales de izquierda, la celebración de una jornada de lucha específica para la mujer y sus derechos.

Desde este blog les mando un gran saludo a todas las mujeres que son y fueron parte de Resonare Fibris, y a mis colegas y amigas esperando que la pasen muy bien en este día en compañía de sus familias, amigos, y la buena música que siempre nos acompaña…

SILVIA LAMPERTI ♥ ♫♪

Incorporamos voces...

♪ Requisitos;
Tener entre 21 y 55 años
Poseer conocimientos musicales o tener facilidad y diponibilidad para estudiar solo/a las partes con grabaciones o midis
Tener experiencia coral (no excluyente)
Afinación y voz sana (excluyente)
Puntualidad y asistencia a ensayos y conciertos
♪ Ensayos:
Solo los sábados de 14hs a 17hs
♪ Zona: CABA (Liniers)

Para más información o envío de datos escribir a:
ensambleresonarefibris@gmail.com
silvialamp@hotmail.com
O llamar al 15-5837-4904 (Se puede dejar mensaje de voz o texto con un número para contactar)

3 de febrero: “San Blás” Patrono de enfermedades de la voz

Blas significa: "Arma de la Divinidad"
San Blas fue obispo de Sebaste, Armenia (al sur de Rusia.)
Al principio ejercía la medicina, y aprovechaba de la gran influencia que le daba su calidad de excelente médico, para hablarles a sus pacientes en favor de Jesucristo y de su santa religión, y conseguir así muchos adeptos para el cristianismo.
San Blas era conocido por su don de curación milagrosa. Salvó la vida de un niño que se ahogaba al trabársele en la garganta una espina de pescado. Este es el origen de la costumbre de bendecir las gargantas el día de su fiesta.
Al conocer su gran santidad, el pueblo lo eligió obispo.
Hizo vida eremítica en una cueva del Monte Argeus.
Según una leyenda, se le acercaban también animales enfermos para que les curase.
Cuando la persecución de Agrícola, gobernador de Cappadocia, contra los cristianos llegó a Sebaste, sus cazadores fueron a buscar animales para los juegos de la arena en el bosque de Argeus y encontraron muchos de ellos esperando fuera de la cueva de San Blas. Allí encontraron a San Blas en oración y lo arrestaron. Agrícola trató sin éxito de hacerle apostatar. En la prisión, San Blas sanó a algunos prisioneros. Finalmente fue echado a un lago. San Blas, parado en la superficie, invitaba a sus perseguidores a caminar sobre las aguas y así demostrar el poder de sus dioses. Pero se ahogaron. Cuando volvió a tierra fue torturado y decapitado. C. 316.

Murió Maria Elena Walsh...

La reconocida escritora y compositora María Elena Walsh murió hoy a los 80 años de edad y sus restos serán depositados mañana en el Panteón de SADAIC del cementerio porteño de la Chacarita.
El deceso de la autora de numerosas canciones infantiles, entre otras obras de distintos géneros, se produjo en las últimas horas en el Sanatorio de la Trinidad, donde se encontraba internada víctima de una larga enfermedad.
Escritora prolífica, la figura de María Elena Walsh está asociada íntimamente a las canciones infantiles, y uno de los personajes más conocidos que salieron de su pluma fue la célebre tortuga "Manuelita".
A lo largo de su carrera publicó más de 40 libros y grabó una veintena de discos.

Había nacido en Ramos Mejía el 1º de febrero de 1930 y desde 1981 luchaba contra un doloroso cáncer óseo.
Hija en segunda nupcias de un ferroviario británico que tocaba el piano y cantaba canciones de su tierra, su madre era una argentina descendiente de andaluces y amante de la naturaleza.
Su primer libro, "Otoño imperdonable", lo publicó cuando sólo tenía 17 años, y le valió ganar el segundo premio Municipal de Poesía.
En la década del '50 comenzó a escribir sus primeros versos infantiles, que derivarían en una prolífica y laureada trayectoria.
Sus textos, que marcaron la infancia de varias generaciones y aún hoy mantienen su vigencia y encanto, fueron traducidos al inglés, francés, italiano, sueco y hebreo, y le valieron premios literarios tanto en el país como en el exterior.
Además de sus trabajos para el público infantil, María Elena incursionó en otros géneros, como el folklore o las canciones para adultos ("Serenata para la tierra de uno", "Como la cigarra"), y también escribió poemas, ensayos, notas periodísticas, y guiones para cine y televisión.

Arrancamos el 2011 -Sabado 8 de enero

16hs prueba de voces
17 30hs a 19hs Ensayo.

Obras a trabajar:
♪ "Jesu Rex Admirabilis" (Palestrina)
♪ "Per crucem tuam" (Palka)

"La Divina" ♫♪

Por estos días de diciembre (algunos dicen que el 2 otros que el 3) hubiese cumplido 87 años una de las mas grandes voces de la lírica de todos los tiempos, que se apagó prematuramente a los 54 años en 1977: Maria Cecilia Sofia Kalogeropoulas, mas conocida como MARIA CALLAS

Hija de una pareja de emigrantes griegos que llegaron a Estados Unidos en agosto de 1923, asentando su domicilio en la ciudad de Nueva York. George Kalogeropoulos, su padre, farmacéutico de profesión, abrió un negocio familiar en un barrio griego de Manhattan y por la complejidad del apellido, lo cambió por Callas.
Tras la separación de sus padres, Maria viajó a Grecia en 1937 con su madre y hermana, volviendo a adoptar su apellido original, Comenzó su formación en el Conservatorio Nacional de Atenas, y para inscribirse tuvo que falsear la edad, ya que no tenía los 16 años mínimos. Estudió con la soprano Maria Trivella, y después bel canto con Elvira de Hidalgo, que la formó en la tradición del belcanto romántico italiano. En 1938 hará su debut no profesional como Santuzza en Cavalleria rusticana, en Atenas. Su dedut profesional fue en 1941, en el Teatro Lírico Nacional de Atenas, con la opereta Boccaccio. El primer éxito lo tendría en 1942 con Tosca, en la Ópera de Atenas. Pronto cantó Fidelio, Tiefland y Cavalleria Rusticana, también en Atenas. En 1944, durante los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial, las fuerzas ocupantes pierden el control de Grecia y la flota británica llega al puerto de El Pireo. Maria decide volver a los Estados Unidos para encontrarse con su padre.
Sus éxitos no fueron muchos hasta que la quiso escuchar Edward Johnson, el director general del Metropolitan Opera House, quien le ofreció inmediatamente los principales papeles en dos producciones en las temporadas de 1946-1947: Fidelio, de Ludwig van Beethoven, y Madama Butterfly, de Giacomo Puccini. Para sorpresa de Johnson, Maria rechazó los papeles: no quería cantar Fidelio en inglés, y consideraba que el rol de "Butterfly" no era el mejor para su debut en América.
En Nueva York conoce al tenor italiano Giovanni Zenatello, director de la Arena de Verona, quien la contrató para cantar La Gioconda, de Ponchielli, en ese anfiteatro. Viajó entonces a Italia en compañía de la esposa de Bagarozy, Louise, y allí conoció a su esposo: un acaudalado industrial de la construcción llamado Giovanni Battista Meneghini (Verona, 1896 – Desenzano del Garda, 1981), 30 años mayor que ella y decisivo en la gestión de su incipiente carrera.
Su debut italiano en la Arena de Verona fue en 1947, bajo la batuta de Tullio Serafin. Su trabajo en la ópera de Ponchielli fue un éxito pero no se reflejó inmediatamente en nuevos contratos. Así, Callas se encontró nuevamente sin empleo, pero gracias al apoyo brindado por Meneghini logró continuar con sus estudios privados de canto, haciendo luego una audición para Serafin en el difícil papel protagonista de Tristan e Isolda, de Richard Wagner, que se iba a presentar en el teatro La Fenice de Venecia en la siguiente temporada. Logró el papel y debutó en el teatro veneciano, obteniendo un clamoroso éxito que le permitió cantar Turandot, de Puccini, y Brünnhilde en Die Walküre (La valquiria), en las temporadas de 1948-1949.

En 1949 se casa con Meneghini y cambia su nombre a Maria Meneghini Callas. Durante el receso estival europeo, el 20 de mayo de 1949 hace su debut americano en nuestro Teatro Colón como Turandot, Aída (sólo una función reemplazando a Delia Rigal) y Norma, dirigidas por Tullio Serafin, secundada por Mario del Mónaco, Fedora Barbieri y Nicola Rossi-Lemeni.

Desafortunadamente parte de su fama de debe a lo mucho que se dijo y se sigue diciendo sobre su vida, sus escandalos, sus romances y demás, pero lo verdaderamente cierto es que "La Divina" (apodo que se le dió también a su celebre antecesora Claudia Muzzio) combinaba una formidable técnica del bel canto que daba flexibilidad a su caudalosa voz, que se sumaba a un timbre personal y un gran talento dramático, cualidades que le hicieron la más famosa actriz-cantante de su época. Extraordinariamente versátil, su repertorio se integraba con la ópera seria clásica, como La Vestale de Gaspare Spontini, Alceste de Gluck y Medea de Cherubini hasta las óperas de Giuseppe Verdi, o Giacomo Puccini e incluso Richard Wagner y las óperas del verismo y del bel canto italiano
En la definición del musicólogo Kurt Pahlen «…su canto asemeja una herida abierta, que sangra entregando sus fuerzas vitales…como si ella fuese la memoria del dolor del mundo…»

SU LEGADO
Su registro de soprano que abarcaba tres octavas, siendo su tipología vocal muy difícil de clasificar tanto por su particular timbre de voz (que no era bello según los cánones establecidos) como por sus agudos a veces estridentes y sus graves en voz de pecho. Tenía una sorprendente capacidad de matizar, lo que ha llevado a algunos críticos a considerarla como soprano sfogato, una voz capaz de alternar entre registros de soprano aguda como de contralto con gran agilidad.
Callas propulsó la revaluación del género belcantista e impulsó la interpretación del verismo desde la técnica del belcanto provocando una revisión importante desde el punto musical e interpretativo. La generación que le siguió, cimentó estos valores en los nombres de sopranos como Joan Sutherland, Montserrat Caballé, Leyla Gencer, Renata Scotto, Beverly Sills, Mirella Freni y las mezzosopranos Marilyn Horne y Teresa Berganza motivando un florecimiento del género lírico desde un enfoque históricamente veraz.

DIA DE LA MUSICA ♪♫♪

Cada 22 de noviembre se celebra en todo el mundo la fiesta de Santa Cecilia, Patrona de la Música, en conmemoración del día de su nacimiento. Santa Cecilia murió mártir en el año 230, condenada por el alcalde de Roma, Almaquio, quien intentó sin éxito persuadirla de renegar de su fe.
Cecilia predicaba públicamente a Cristo e intentaba vivir siempre de acuerdo con sus enseñanzas, incluso en una época de fuerte persecución a los católicos. Poniendo en riesgo su vida, la santa visitaba a los cristianos en la cárcel, enterraba a los muertos y profesaba su fe (todo lo cual estaba prohibido), con un convencimiento tal que llevó a su marido Valeriano, y al hermano de éste (Tiburcio) a hacer lo mismo. Pero los dos hombres fueron arrestados y llevados ante el alcalde Almaquio, quien intentó en vano hacerlos decir que adoraban a Júpiter. Ellos le respondieron que únicamente adoraban al verdadero Dios, y animaron a los demás cristianos a sufrir con gusto todos los horrores, antes que ser infieles a su religión. Entonces fueron ferozmente azotados y martirizados.

Cecilia sepultó los cadáveres de los dos santos, por lo que fue arrestada. Se le exigió que renunciara a la religión de Cristo, pero ella declaró que prefería la muerte antes que renegar de la verdadera religión. Entonces, Almaquio la condenó a morir sofocada en el baño de su casa; pero por más que los guardias pusieron en el horno una enorme cantidad de leña, Cecilia pasó en el baño un día y una noche sin recibir ningún daño, y dice la historia que en vez de asfixiarse ella cantaba gozosa. Finalmente, fue decapitada.

Durante más de mil años Santa Cecilia fue una de las mártires más veneradas por los cristianos, y en el año 1594 fue nombrada Patrona de la Música por el Papa Gregorio XIII, adoptándose universalmente el día de su nacimiento como el Día de la Música. Ya al fin de la Edad Media había empezado a representarse a la santa tocando el órgano, el arpa o cantando, y a través de los siglos su figura ha permanecido venerada por la humanidad con ese padrinazgo, cuyo origen es a decir verdad algo confuso y no se sabe con certeza de qué causas proviene.
Pero más allá de las causas por las que ha sido declarada Patrona de la Música (seguramente relacionadas con la tradición), son innegables la bondad y pureza de Santa Cecilia, y sus deseos de agradar a Dios. Por eso, se haya valido o no de la música, nos podemos permitir figurarnos en ella que la música es el instrumento del alma.

Tanto se ha dicho y escrito sobre la música a lo largo de la historia, que nos permitimos seleccionar algunos conceptos destacados:
♪ "Los que cantan, ya sea en la siega, ya en la vendimia o en algún otro trabajo intensivo, empiezan a cantar con palabras que manifiestan su alegría, pero luego es tan grande la alegría que los invade que, al no poder expresarla con palabras, prescinden de ellas y acaban en un simple sonido de júbilo." (San Agustín)
♪ "La música desempeña, entre las manifestaciones del espíritu humano, una función elevada, única e insustituible. Cuando ésta es realmente bella e inspirada, nos habla, incluso más que todas las demás artes, de la bondad, de la virtud, de la paz, de las cosas santas y divinas." (Juan Pablo II)
♪ "Sólo las claves, sólo las pautas
y las notas revelarán al mundo sus bellezas innatas.
Platón oyó a los orbes
su concierto ideal,
y Beethoven, a veces,
lo escuchó en el mutismo nocturno.
Todo es música: los astros,
el abismo,
las almas...
¡y Dios mismo es un Dios musical!".
(Amado Nervo - poeta mexicano)

DIA MUNDIAL DEL FOLKLORE

El 22 de agosto se conmemora el Día Mundial del Folklore, en homenaje al creador de ese vocablo: William Thoms. La palabra FOLKLORE deriva de "FOLK" (pueblo, gente, raza) y de "LORE" (saber, ciencia) y se designa con ese término el "saber popular".
La fecha coincide en Argentina, con el nacimiento de Juan Bautista Ambrosetti (1865-1917), reconocido como el "padre de la ciencia folklórica".
El Primer Congreso Internacional de Folklore se realizó en la ciudad de Buenos Aires en 1960. A dicho evento, presidido por el argentino Augusto Raúl Cortázar, asistieron representantes de 30 países que instauraron el 22 de agosto como Día del Folklore.

El emblema que representa a los folkloristas argentinos elegido por el Primer Congreso Nacional del Folklore (1948) es el árbol, porque el folklore también hunde sus raíces en la tradición, sus ramas representan el pensamiento, el sentido y la imaginación por un lado y la obra de las manos, es decir la creatividad artesanal por el otro.
Las escasas hojas representan la juventud primaveral de la ciencia. Las palomas, la unión de lo material con lo espiritual en la amplitud del folklore. El tronco y ramas están envueltas con una banda que dice: "Qué y cómo el pueblo piensa, siente, imagina y obra". Este emblema fue ideado por Rafael Jijena Sánchez.

30 AÑOS DEL CONSERVATORIO DE MUSICA GENERAL SAN MARTIN ♫♪♫

El Conservatorio de Música de San Martín abrió sus puertas el 18 de julio de 1980, esta honorable Institución, que cobijó mis ilusiones y acompañó mi crecimiento musical, hoy cumple 30 años!!! FELIZ CUMPLE!! Y QUE SEAN MUCHOS MAS!!...

El Conservatorio, dependiente de la Dirección General de Escuelas de la Provincia de Buenos Aires, es una escuela pública, y es el único establecimiento que otorga título oficial de profesor de música en distintas especialidades en el radio de los partidos de San Martín y Tres de Febrero, los conservatorios más cercanos se encuentran en Morón, y en Vicente López.
En el conservatorio ingresan chicos a partir de los 9 años. Las Carreras están pensadas para prácticamente todos todos los intrumentos de orquesta: violín, viola, cello, contrabajo, saxo, flauta, clarinete, trompeta, oboe, trombón, percusión, además de piano, guitarra, canto y dirección coral. Posee un ciclo de Formación Básica que se extiende en el caso de los chicos hasta los 6 años, y en el caso de los adultos se puede hacer en 3 años. Después de esa Formación, se ingresa a la carrera profesional de 4 años, ya sea para ser Docente en el instrumento, para ser Maestro de música, o estudiar Dirección Coral.
Actualmente funciona en su nueva sede de San Lorenzo 2381, (San Martin, Pcia de Buenos Aires. Tel: 4713 0254)

20 de Junio "Día de nuestra bandera"

CÓMO EL ARIA DE UNA ÓPERA ITALIANA SE CONVIRTIÓ EN “SALUDO A LA BANDERA”

La opera Aurora fue compuesta en Milán por el músico Héctor Panizza por encargo del gobierno argentino en 1906. Inspirada en un trágico hecho de la historia local –narrado en un relato de Héctor Cipriano Quesada y Luigi Illica- fue compuesta por el autor en Milán y lleva el nombre de la protagonista femenina, quien simboliza el nacimiento de la Nación Argentina.

Esta ópera está fuertemente influenciada por la cultura italiana, por cuanto Panizza (hijo de italianos) concurrió al Real Conservatorio de Milán (que hoy lleva el nombre de Giuseppe Verdi), y además porque Illica, uno de los autores del texto, fue un reconocido libretista.

Fue representada por primera vez el 5 de septiembre de 1908 en el Teatro Colón de Buenos Aires, inaugurado ese mismo año. los cantantes fueron italianos, Cesare Assanti, Amedeo Bassi, Giuseppe La Puma y Titta Ruffo. En aquel histórico momento, mientras se alzaba el telón, en un profundo clima emotivo, todos los presentes escucharon la voz del tenor Amedeo Bassi, quien moduló el aria en italiano:

Alta pel cielo, un’aquila guerriera,
ardita s’erge in volo trionfale.
Ha un’ala azzurra, del color del mare,
ha un’ala azzurra, del color del cielo.
Così nell’alta aurora irradiale,
il rostro d’or punta di freccia appare,
porpora il teso collo e forma stelo,
l’ali son drappo e l’aquila è bandiera.

È la bandiera del Paese mio,
nata dal sole; e ce l’ha data Iddio!

El melodrama se desarrolla en la ciudad de Córdoba, en el interior de la Argentina, en mayo de 1810. A un convento de la Compañía de Jesús llega un cesto de flores que un fiel devoto envía a la Virgen de los Dolores. En el cesto hay también un mensaje clandestino, enviado desde Buenos Aires: “Muchachos: saluden a la Aurora! Ella brilla triunfal en el límpido cielo de la Patria! Empieza la lucha por la Independencia!” Entonces aún bajo dominio español, la ciudad de Córdoba estaba sojuzgada férreamente por la represión. El gobernador Ignacio del Puente (interpretado por el barítono Titta Ruffo), había reaccionado con fuerza brutal para restaurar el orden después de la revolución estallada en el Río de la Plata, dando enseguida una proclama: “¡En Buenos Aires flamea un estandarte rebelde e indigno! ¡¡¡Lo ahogaré en su propia sangre!!!” Lo que Del Puente aún no sabe es que un joven patriota se ha enamorado de su hija Aurora (interpretada por la soprano Maria Farletti ). Por ella, Mariano (protagonista de la ópera) se bate con heroico coraje, pero es capturado como espía. El gobernador no acepta esa historia de amor y jura la muerte de Mariano, diciendo: “¡Antes que padre, soldado!”. Los amantes consiguen escapar, pero la historia termina trágicamente, con Aurora herida mortalmente por el fuego de las armas de las tropas
de su padre, y con las palabras de Mariano: “Te amaré por toda la eternidad, porque el cielo es Aurora, y es Aurora de la Patria!”.

Si bien se notan algunos errores históricos (los jesuitas habían sido expulsados por la Corona en el siglo XVIII y la bandera argentina fue creada en 1812), permanece de todas maneras el gran valor artístico de la ópera, al cual se agrega la dimensión afectiva y el profundo significado cultural que la han convertido en patrimonio de la argentinidad.

“Aurora” fue representada en numerosas temporadas, siempre con gran
éxito, pero su definitiva consagración popular se produjo con la traducción al español, a 35 años de su estreno. Y ello no obstante las dificultades encontradas para conservar la métrica y la melodía del aria, de cuyos arreglos se ocuparon Angelo Pettita (un italiano con muy buen conocimiento del idioma español) y Josué Quesada (hijo de uno de los autores). La nueva versión fue presentada en la noche de gala del 9 de julio de 1945, en un sugestivo marco de público y con la presencia de las máximas autoridades argentinas de entonces, el presidente Edelmiro J. Farrel y el vicepresidente, coronel Juan Domingo Perón.

Desde entonces y mediante un decreto gubernamental, se estableció que el aria de “Aurora”, con el nombre de “Saludo a la Bandera”, convirtiese en canción a la bandera y fuese de interpretación obligatoria en los actos oficiales y en todas las escuelas al momento de izarse la misma. También los adultos conservamo entre sus más bellos recuerdos aquellos
versos inolvidables que dicen:

Alta en el cielo un aguila guerrera,
audaz se eleva en vuelo triunfal.
Azul un ala, del color del cielo,
azul un ala, del color del mar.

Así en el alta aurora irradial,
punta de flecha el áureo rostro imita,
y forma estela al purpurado cuello.
El ala es paño, el águila es bandera.
Es la bandera de la Patria mía,
del sol nacida, que me ha dado Dios.

El éxito de las representaciones de “Aurora” no reconoce épocas. Desde 1999, el tenor argentino Darío Volontè ofrece su voz para interpretar a Mariano. El 2 de abril de 2002, en ocasión de la conmemoración por los combatientes de las Islas Malvinas –cuando el Colón alzó el telón para honrar a los caídos-, en un clima de gran emoción y participación popular- Volonté cerró aquella memorable noche en su doble condición de tenor y sobreviviente del hundimiento del crucero “General Belgrano”.

Encuentro Coral en Barracas

Hoy participamos de un encuentro coral de alto nivel musical en el Templo escondio del complejo historico Santa Felicitas, junto a "Cosa cantada" (Dir: Fabio Valente); "Coral Manantial (Dir: Pablo Iglesias) y "Rebusque 2 x 4" (Elsa Carballeda)

Interpretamos seis obras: "Margot labourez les vignes" (J. Arcadelt), "Four hands, two necks. one wreathing" (T. Weelkes), "Pater Noster" (N. Kedrov) y en esta oportunidad contamos con la colaboración de mi gran amiga la profesora Marina Libonati que nos acompañó con teclado tres obras: "Agnus Dei"(S. Webbe) y los Negro Siprituals "Let us break" y "Go tell it on the mountain"

Gracias Marina!! espero podamos tenerte nuevamente en Resonare. Y muchas gracias al Mtro. Valente que es el coordinador de este ciclo de conciertos por brindarnos la posibilidad de cantar en ese maravilloso lugar

VI Encuentros corales COMPLEJO HISTÓRICO "SANTA FELICITAS"

COMPLEJO HISTÓRICO SANTA FELICITAS

Pinzón 1480 ~ BARRACAS

ENCUENTRO CORAL - Sábado 29 de MAYO

Templo Escondido - 17:30 hs -Entrada libre y gratuita

COSA CANTADA / Director: Fabio Valente

CORAL MANANTIAL / Director: Pablo Iglesias

ENSAMBLE RESONARE FIBRIS / Directora: Silvia Lamperti

REBUSQUE 2 X 4 / Directora: Elsa Carballeda

A brillar, Colón vamos a brillar !!!!

Pasaron mas de 1100 días (Noviembre de 2006) desde que el telón del Teatro Colón bajó por última vez. Atrás quedaron los días de locura en los que no se sabía cuándo y cómo iba a quedar el teatro. Ininterminables horas de luces apagadas, de obras; pero hoy el Colón volverá a brillar para refirmar que su nombre sigue estando entre los más destacados del mundo; lugar que comparte con La Scala de Milán, la Opera de París, el Metropolitan de New York, el Bolshoi de Moscú y el Teatro Nacional de Munich. El Colón es una de las joyas arquitectónicas y sobre todo acústica, más importantes del mundo. "Hoy es el punto de partida, no es que llegamos a ningún lado. Recuperar cosas que supimos tener y que no deberíamos perder nunca más" dijo Pedro García Caffi, director general del Colón. Su reapertura es algo que supera lo cultural, es un símbolo de la ciudad, del país...

Caminaron por su escenario grandes figuras de la música, del canto y del ballet. Desde "Aída" de la opera de Verdi, que inauguró sus actividades, pasaron Arturo Toscanini, Enrico Caruso, Tita Rufo, Richard Strauss, Igor Satravinsky, Maria Callas, Lily Pons, Luciano Pavarotti y Maia Plissetskaya, por solo mencionar algunos.

Esa excelencia es la intentará recuperar Grarcía Caffi. Recuperar la excelencia de los cuerpos artísticos, la mística y los ideales. Estarán presentes desde Daniel Barenboim, Zubin Mehta y la orquesta de la Scala de Milán, entre tantos otros...

Hoy el telón volverá a correrse para que la magia vuelva a deslumbrar. Dijo Pavarotti: "El Colón tiene un grandisimo defecto, su acústica es sencillamente perfecta. Imaginene lo que significa eso para un cantante: si uno hace algo mal se nota enseguida..."

Un grito sagrado!

El 11 de mayo de 1813 , la Asamblea General Constituyente que regía los destinos de nuestro país aprobó la letra de la "Marcha Patriótica", compuesta por Vicente López y Planes en sólo dos meses a partir del pedido que la propia Asamblea le hiciera el 6 de marzo.

Desde su creación, el nombre de nuestro himno tuvo varias denominaciones: "Marcha Patriótica", "Canción Patriótica Nacional", y "Canción Patriótica", hasta que en 1847 se lo llamó definitivamente "Himno Nacional Argentino". La letra del Himno (que se cantó por primera vez en la casa de Mariquita Sánchez de Thompson el 14 de mayo de 1813) estuvo a cargo de Vicente López y Planes y la música fue compuesta por Blas Parera. La versión completa consta de 9 estrofas de 8 versos, más un estribillo de 4. La mayoría de las 76 líneas originales se refieren a los deseos de libertad e independencia de la Argentina y otros pueblos de América.

Con el correr de los años fue desapareciendo el furor anti ibérico y creciendo los objetivos de acercamiento a la madre patria, por lo que muchos de los versos de nuestro Himno perdieron objetividad desde la perspectiva de los nuevos tiempos. Tan así fue que en el año 1900 el presidente Julio A. Roca firmó el siguiente decreto: "Dado que, sin producir alteraciones en el texto del Himno Nacional, hay en él estrofas que responden perfectamente al concepto que universalmente tienen las naciones respecto de sus himnos en tiempo de paz y que armonizan con la tranquilidad y la dignidad de millares de españoles que comparten nuestra existencia, las que pueden y deben preferirse para ser cantadas en las festividades oficiales, por cuanto respetan las tradiciones y la ley sin ofensa de nadie; el presidente de la República, en acuerdo de ministros, decreta que en las fiestas oficiales o públicas, así como en los colegios y escuelas del Estado, sólo se cantarán la primera y la última cuarteta y el coro de la canción nacional sancionada por la Asamblea General el 11 de marzo de 1813".

Cumpleaños!!! ♫♪

Hoy 2 de mayo es el cumple de una de nuestras integrantes, ROSANA!!, te deseamos todo lo mejor y que se cumplan todos tus deseos. Te queremos Ro!! ♥
Además se podria decir que es nuestro propio cumple, ya que hace un año comenzabamos a reunirnos de mamera mas formal y casi innterrupidamente todos los sabados, para conformar lo que hoy somos... Por eso quiero dejarles un saludo muy grande a todos los que son parte del Ensamble, ya sea en forma estable, como colaboradores, invitados o ex integrantes y les doy mi agredecimiento total a cada uno por haber dedicado sus tiempos y sus voces en este proyecto, y sobre todo por los buenos momentos compartidos en ensayos y conciertos... porque de eso se trata, fundamentalmente cuando hacemos música, de disfrutar para después poder transmitirlo al público... si no, no tiene sentido cantar...
G R A C I A S R E O N A R E N S E S !!!!
y gracias también a todos los que nos acompañaron y nos bancaron: familias, hijos, maridos, novios, novias, amigos, etc, etc ...

SILVIA LAMPERTI

LA MANO GUIDONIANA

Durante la Edad Media se utilizó para enseñar a cantar un sistema conocido como «la mano guidoniana», de Guido d’Arezzo, Su mano, muchas veces reproducida en los manuscritos medievales, era un recurso por el que el maestro señalaba con el índice de la mano derecha las distintas articulaciones de su mano izquierda abierta. Cada punto de su mano representaba una de las veinte notas del sistema.

Un poco de historia: El origen del nombre de las notas musicales

El italiano Guido de Arezzo, (995+1050), en plena Edad Media, en el año 1026 observando que sus alumnos tenían muchas dificultades para leer música trató de encontrar la manera de simplificar esa lectura consiguiendo así formar buenos músicos y buenos cantantes en un plazo mucho menor de tiempo.
Su aporte a la escritura musical se da mediante la adopción definitiva de 4 líneas horizontales paralelas para fijar las alturas de los sonidos destacándose una de color rojo en que se ubicaba el signo primario de la clave de fa.
A su vez ideó un método para enseñar las notas musicales mediante las distintas falanges de los dedos (solmisación, posterior mano GUIDONIANA).
He aquí que su “invento” no retrocederá jamás, más aún se le agregará una quinta línea, cosa antes no realizada porque los sonidos de los cantos eran 6 y no 7 como se establecerá posteriormente, con una escala diatónica y olvidando modos griegos y latinos netamente eclesiásticos. Aunque teorías aseguran que Guido consideraba 7 sonidos naturales.
Este avance didáctico llegó a oídos del Papa Juan XIX quien lo llama a Roma y le pide que le explique a otros monjes para continuar la tarea musical-litúrgica.
En la Edad Media, las notas se denominaban por medio de las primeras letras del alfabeto: A, B, C, D, E, F, G (comenzando por la actual nota la). Para facilitar la entonación Guido tomó como modelo el Himno de San Juan compuesto por Pablo el Diácono (así conocido) muy popular, en el cual sus siete versos empiezan justamente con palabras en latín cuya entonación responde perfectamente a la de la escala de 6 notas. De allí toma él la primera sílaba de cada palabra y le conferirá así el nombre al grado de la escala.

Ut queant laxis -Para que puedan
Resonare fibris -Con toda su voz
Mira gestorum -Cantar tus maravillosas
Famuli tuorum -Hazañas estos tus siervos,
Solve polluti -Deshaz el reato de
Labii reatum -Nuestros manchados labios,
Sancte Ioannes -¡Oh, San Juan!


Más tarde, por las dificultades para cantar, ut se cambió por do. Probablemente tomado de la palabra “Domine” porque en aquella época se intentaba poner a Dios ante todas las cosas, por eso Do, de "Dómine", o "Señor", como domingo que es el "día del Señor". Pero debieron transcurrir cinco siglos, hasta el XVI, para que se completara la escala musical, tal como hoy la conocemos. Se recurrió al mismo himno que, Arezzo, había utilizado en el siglo XI, y con las iniciales de San Juan que, por entonces, se escribía Sante Joannes, y se formó la séptima nota - SI - y la octava fue la repetición del Do.

Y terminamos el 2009...

El 19 de diciembre hicimos nuestra última presentación del año en un encuentro mas "informal" por asi decirlo, ya que fue realizado en el "Country Banco Provincia" (Moreno). Fuimos invitados por el taller Coral que funciona alli, y que dirige nuestro amigo el Mtro. OSCAR MESIAS
Y en esa opurtidad, igual que en el encuentro anterior, contamos con la colaboración de las maravillosas voces de: MIRTA SANCHEZ (Soprano), PAULA CHIESA (Contralto)y JORGE CUMIANO (Barítono)Muchisimas gracias gente!!! y vuelvan cuando quieran a cantar con nosotros!!! ♫♪♫

DIA INTERNACIONAL DEL CANTO CORAL ♫♪

El 13 de diciembre de 2009 participamos del encuentro realizado en eL Club Larrazabal (Liniers) sede del "CORO CADENCIAS" (Dir: Nuria Romero)
Este encuentro se ralizó con motivo de celebrarse el "Dia Internacional del Canto Coral" También participo el "Coro Musicanto" (Dir: Silvia Scuotto)
Antes de comenzar se leyo la proclama:

!Cantad, coros del mundo!
Que vuestra voz llueva manantiales
donde arden las hogueras,
Que vuestro canto ponga rosas
donde hay campos de batalla.
Abrid surcos y sembrad amor,
para que recolectéis frutos de esperanza.
Cantad a la libertad donde exista el despotismo;
cantad a la igualdad donde anide la pobreza;
cantad a la hermandad donde prevalezca el odio.
Que vuestros cantos orienten al mundo
para que la paz sustituya a la guerra,
para que el hombre respete a la tierra,
para que no existan diferencias de razas o color,
para que todos seamos fraternos,
para que este planeta se alegre con vuestras voces.

Encuentro coral en Bella Vista

El 28 de Noviembre de 2009 participamos del encuentro que organizo el Mtro. Julio Cantarini, director del coro "ALMAFUERTE" en la Capilla del Colegio San Alfonso (Bella Vista)
Participaron también la "Agrupación coral Angel d'Elia" (Dir: Gerardo Müller) y "Ensamble Coral del Pilar" (Dir: Juan Carlos Nos)

Encuentro coral en Ntra Sra del Buen Consejo (25-10-2009)

Los cuatro directores:
SILVIA LAMPERTI, SILVIA SUOTTO, NURIA ROMERO y HORACIO LIÑAN

25 de Ocubre de 2009 Nuestro Debut!!!...

Hicimos nuestra primera presentación en el encuentro coral realizado en la Parroquia Ntra Sra del Buen Consejo (Floresta), organizado por nuestros amigos del "CORO CADENCIAS" (Dir: Nuria Romero); tambien pariciparón el "Coro Musicanto" que dirige mi amiga Silvia Scuotto y el grupo de canto popular "Vertiente Sur" (Horacio Liñan)

El repertorio que interpretamos fue:
♪ "FOUR HANDS, TWO NECKS ONE WREATHING" - T. Weelkes (1575-1623)
♪ "MARGOT LABOUREZ LES VIGNES" - J. Arcadelt (1504-1568)
♪ "AGNUS DEI - S. Webbe" (1740-1816)
♪ "PATER NOSTER" -N. Kedrov (1871-1954)
♪ "LET US BREAK" -Negro Spiritual (Arr: Silvia Lamperti)
y fuera de programa: "GO TELL IT ON THE MOUNTAIN" -Negro Spiritual (Arr: Silvia Lamperti)